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写真家「ロレッタ・ルックス」

ドイツの現代写真を代表する女性写真家
「ロレッタ・ルックス」(1969~ ) 



《Dorothea》2001年
Dorothea 2001年 (450x450)

《Spring》2001年
Spring 2001年 (450x450)

《Hugo and Dylan》2006年
Hugo and Dylan 2006年 (450x328)

《The Fish》2003年
The Fish 2003年 (450x322)

《Drummer》2004年 58×51
ドラマー2004年 (338x400)

《The Walk》2004年 51×66
お散歩 The walk (450x356)

インパクトを受け、時間が止まる感覚をもたらす写真です。一見すると、スーパーリアリズムの絵画かCGで作られた画像ではないかと思わせる、不思議な、奇妙な、人工的な独特の世界です。

ロレッタ・ルックスの手法は、デジタルカメラで撮影した友人の子供たちと、別に撮った風景写真や描いた背景とをデジタル合成して、異化されたイメージを生み出すものです。

柔らかく優しい色彩、上質な仕立ての良さそうな服、子供たちの肌や髪も美しい。またシンプルで深い遠近法の構図による子供の存在感、小道具(壁紙・バッグ・小物)の計算された心地よい位置。一見心地よい雰囲気の中で、何か虚ろな瞳で凝視する写真の子供たちは、私たちの知る、街や公園で遊ぶ子供たちではない。どこか違う星から訪れたのではないかと思わせるような不思議なイメージの中に存在しています。
彼女が「私は、失われた楽園のメタファー(暗喩)として子供たちを被写体としている。」と話しているように、愛らしさと不気味さ、心地よさと不安が共存する子供たちのポートレートです。

《Selfportrait》2007年
Selfportrait 2007年 (346x400)

ロレッタ・ルックスは、1989年20歳の時、ベルリンの壁崩壊直前に旧東ドイツのドレスデンからミュンヘンに移り住みます。1990年から1996年まで、ミュンヘン造形芸術アカデミーで絵画を学んだあと、写真へ転向しました。彼女は子供時代について「この世の醜さに苦しんだ」と話しています。その時代の記憶が、愛らしさと不気味さ、心地よさと不安といったアンビヴァレント(相反する感情を同時に持つ)な感情の反映として表現されているのではないでしょうか。



不思議な感覚を抱かせる日本のコンテンポラリーアーティスト加藤美佳の手法

加藤美佳《Pansies》2001年 油彩・キャンバス 235×187
パンジーズ2001年


自分がイメージした女の子の人形を実際に作る→作った女の子の人形を写真に撮る→撮った写真をキャンバスに拡大コピーする→それを正確に細密に絵の具で描き出す。この四つのプロセスを経て加藤の作品は作り出されています。可愛い少女を直接描くのではなく、写真に映った女の子の人形を描いている(写真をキャンバスに描いている)。作ること、撮ること、描くことから生じる表現の差異を作品化し、現実とフイクションが入り混じった不思議な感覚を抱かせる作品を加藤は作っています。

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テーマ:アート - ジャンル:学問・文化・芸術

写真家「トーマス・デマンド」の風景

トーマス・デマンド

「写真における唯一の真実は、ある場所にカメラがあったということだけ」

                           トーマス・デマンドの言葉(「studiovoice」インタヴュー記事より)


トーマス・デマンド《部屋》1994年 Cプリント 183.5×270.3cm
IMG_0004 (500x342)

トーマス・デマンド《浴室》1997年 Cプリント 160×122cm
IMG_0006 (273x400)

人物が存在しない部屋や浴室の写真。 「部屋」は破壊されてはいるものの、よく見ると壊れたものは人が長年使ったとは思えないほど傷や錆や汚れが無く、無機質でどこか重さに欠けている。破壊されたようにセッティングされた映画か舞台の室内の様だ。ここで何があったのか理解しようと試みるのだが、どうにも奇妙な感覚がそれを阻む。現実感がないのだ。「浴室」にはつい先ほどまで人がいたのかもしれない、日常のありふれた室内空間だ。マットの歪みなど、いつもしているように手を伸ばして直したいくらいだ。しかし、しばらく見ているとやはり奇妙だ。タイル・カーテン・ドア、そして浴槽の表面に至るまで、私たちが触れて知っている材質感が無く、均一で現実感に乏しい。

トーマス・デマンドの手法は、すでに新聞などのメディアで発表され何度も流されている写真や画像(実際に起きた社会的・政治的な事件の場面)を基にし、ほぼ実物大に紙の立体物として再現する。そしてそれを撮影し、巨大なサイズの写真作品として仕上げる。撮影後、その被写体(紙の立体物)は壊されて、彼の写真の中にだけ存在することになる。
「室内」は1944年のヒトラー暗殺未遂事件の際の爆破された総統指令本部であり、「浴室」はいまだに解明されていないドイツの政治家の死亡現場であるらしい。私たちにとってそれらの背景は聞かなければ知りえないことであるが、そんなドラマティックな(暴力的な)ストーリーを基にし、緻密に再現されているにもかかわらず、彼の作品は静寂・非現実性からくる違和感・不気味さに満ちていて、センセーショナルな場所であることを感じさせない。デジタル処理をすることなく、様々な材質のものをすべて紙に置き換え再構築させることで、新たな現実が立ち現われてくる。新たな現実が作れてしまう。リアルだけれどもリアリティが無い、アンビヴァレントな感覚(相反する感情を同時に持つ)を起こさせる。彼の作品は、現実の残滓でも記録でもなく、「リアリティ」への問いかけではないだろうか。リアリティというものの曖昧さを表現しているのではないだろうか。

カメラの前にある物で、何を撮って何を撮らなかったのか、誰が撮ったのかということは真実ではなくて、誰かがカメラのシャッターを押したということにすぎない。つまり、

「写真における唯一の真実は、ある場所にカメラがあったということだけ」

そして彼は、*「印象派の画家たちが外に出て木々の風景を描いたように、僕の木々はインターネットやニュースペーパーの中にある」と言っているように、すでに消費されている画像からイメージを抽出し、特異な手法で新しい風景や情景を作り出している。

*「僕はすべてを紙で置き換えているわけではない。僕の時間を、写真の中にだけ存在する時間に置き換えてもいる。その意味では、僕自身の写真を作っているということでもある。再・私物化ってことかな」

*「studiovoice」インタヴュー記事より

《Shed》2006年 Cプリント 177×200cm
2.jpg

2003年アメリカのイラク侵入の際の、サダム・フセインの隠れ家の写真を基に制作された作品


デマンドの被写体は、室内だけに止まらない。

《飛び込み台》1994年 Cプリント 150×120cm
飛び込み台


トーマス・デマンドは1964年ミュンヘン生まれ。1987年から2年間インテリアデザインを学ぶ。そののち3年間は彫刻・建築模型を学び、写真はそれらの作品を残す手段として使っていたが、1993年以降はそれらが逆転し、緻密に作られた模型(彫刻)を撮影した写真を発表している。
ベルリン在住

テーマ:アート - ジャンル:学問・文化・芸術

写真家「ナン・ゴールディン」

ナン・ゴールディン

「My camera has saved my life.」


《Guido floating,Levanzo,Sicily》1999年 
ナン・ゴールディン

男性の肢体のユニークなフォルム、その動きに従う静かな波紋、水面下の揺らめき、そしてそれらすべてを包み込むブルーが美しい。

《Smoky Car New Hampshire》1979年
ナン・ゴールディン

ナン・ゴールディンの写真は演出が無く、ほとんどが自然光で(あるがままの光源で)撮られている。
車の窓から差し込む光に浮かぶスモーキーな空気は気怠いけれど、やはり美しい。


《The Hug》1980年
Thehug1980.jpg

《Nan One Month After Being Bettered》1984年
ナン・ゴールディン

《Cookie in her casket,New York》1989年
ナン・ゴールディン

エイズで亡くなった親友のクッキー

《selfportrait,with eyes turned inward,Boston》1989年
ナン・ゴールディン

ナン・ゴールディンは、1953年ワシントンDCに生まれボストンで育つ。11歳の時、姉バーバラ(18歳)が精神を病み線路に横たわって自殺する。家庭は崩壊し、家族との絆を捨て14歳の時家出する。ドラッグクイーンらと共に生活を始める。カメラを手にしたのは15歳の時で、過去のトラウマに加えて、姉が自分の記憶から薄れていくという恐怖から逃れるため、二度と訪れることのない日常の写真を撮り始める。同居人たちのスナップ的なポートレイト写真を彼らが喜んでくれたことがきっかけとなり、写真にのめり込んで行く。エイズに侵された80年代・90年代のアメリカやヨーロッパの都市で、自分自身や恋人、親友達(彼女は自分が撮っている親しい仲間たちを特別に「拡大家族(Extended Family)」と呼んでいる。)の日常の姿を見つめ、シャッターを切り続けた。彼らが自然な姿で写し出されているのは、ゴールディン自身が傍観者では無いからだ。麻薬と暴力と性に依存するあらゆる生の側面に寄り添い受け入れ、その一瞬一瞬を彼らと共有して、彼女自身が写真の中に存在しているからではないだろうか。

《Jimmy and Paulette》1991年
ナン・ゴールディン

《Misty Doing her Make-up Paris》1991年
ナン・ゴールディン

初期の頃、彼女はは親しい仲間とのパーティーで、撮り溜めた写真をスライドで映し出すという方法で発表していた。静止画のムービー、もちろん音楽が流れている。1973年ボストンで初めての個展が開かれる。
そして、1985年に約800枚のスライドショーが発表される。彼女を有名にした「性的依存のバラッド(The Ballad of Sexual Dependency)」だ。翌年その中からピックアップされて写真集「性的依存のバラッド」が刊行された。

薬物中毒の後遺症を克服した1990年以降、彼女は次々と写真集を発表していく。1993年には「The Other Side」(アメリカ、ヨーロッパ、アジアのドラッグ・クィーン達を撮ったもの)、1994年「二重の生」(ナンと、親友ディビッド・アームストロングと同じモデルを撮り、交互に並べたもの)同じく1994年に「トーキョー・ラブ」(荒木経惟と共に90年代のアジアの若者を撮る)、そして1996年にホイットニー美術館で回顧展「私はあなたの鏡」、2002年のポンピドーセンターを初めヨーロッパ各地で回顧展が開かれた。



《Sharon in The River》1995年
ナン・ゴールディン

《Jens’Hand on Clemens’Back Paris》2001年
ナン・ゴールディン



《The peacoke after the fire Deyrolle,Paris》2008年
The peacock after the fire, Deyrolle, Paris 2008

2008年、世界的にも有名な剥製の老舗専門店パリの「デロール」が火災にあった際には、ナン・ゴールデンの他にもアンセルム・キーファーなどアーティストが心配で訪れたという。アーティストたちが触発される場所でもあったようだ。ナン・ゴールデンはそこで孔雀の剥製の写真を撮った。


近年、子供たちや風景の写真を次々と発表し、数多くのファッションブランドの広告写真のカメラマンとしても活躍しているナン・ゴールディン。

「BOTTEGA VENETA」2010 Spring&Summer Collection
nangoldin

《Marc Jacobs at the Plaza Hotel》Harper’s Bazaar September 2010 より
ナン・ゴールディン


私生活の一瞬を撮り続ける彼女のスタイルは、後に続く若い写真家たちに多大な影響を与えた。
ナン・ゴールデンが付けた道筋が、フォトグラフのアートの領域を広げたのだ。

日本の「ガーリー・フォト」と呼ばれる、女性写真家達(長島有里枝・HIROMIX・蜷川実花らを代表とする)の仕事もその影響を受けていると思う。それまでの写真家が、非日常的な空間を撮った写真が正統とされていたものが、コンパクトカメラで露出やピントなど気にせず友人や日々の何でもない出来事など「あっこれいい」と感じたものを撮っていく。技術が無くても感覚で撮っていく。そしてその感覚に、見た人たちが反応していく。

長島有里枝
nagashima2.jpg
nagashima1.jpg

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